Wolverine

Um dos personagens mais emblemáticos, famosos e, talvez, um dos mais queridos pelos fãs das Histórias em Quadrinhos, é um sujeito um pouco mau-encarado, baixinho (nas HQ's, ele mede 1,64m de altura!), que odeia fazer a barba e tem o auto-fator de cura como poder mutante... seu nome é Logan, mas muitos o conhecem pelo codinome "Wolverine", e eu sou um grande fã dessa criação!

Wolverine (palavra em inglês para "Carcaju", um tipo de animal das florestas do Canadá), é um personagem fictício, um herói de histórias em quadrinhos publicados pela Marvel Comics. A primeira aparição do personagem foi na revista de HQ Incrível Hulk #180 (em outubro de 1974) e foi criado pelo escritor Len Wein e pelo diretor de arte John Romita, que desenvolveu o personagem, e foi primeiramente desenhado para publicação por Herb Trimpe.



- A ORIGEM (Programa Arma-X):

O passado de Wolverine sempre foi coberto de mistério. Cobaia de uma experiência governamental (o Programa Arma X) Logan pouco sabe sobre sua vida pregressa, pois teve memórias falsas implantadas pelos militares. Só recentemente se descobriu seu verdadeiro nome: James "Logan" Howlett, nascido em Alberta, no Canadá, filho de Elisabeth e John Howlett. É irmão mais novo de John Howlett Jr., que "morreu" logo cedo.

Devido ao seu “Fator de Cura Mutante”, o envelhecimento de Logan é lento, fazendo com que sua idade certa seja indeterminada. Sabemos porém que ele lutou na Guerra Civil Americana e na Segunda Guerra Mundial (ao lado do Capitão América). No livro do autor Hugh Matthews, intitulado "Lifeblood", Wolverine está preso em um campo de concentração na Polônia chamado "Höllenfeuer" (algo como 'Fogo do Inferno'), durante parte da Segunda Guerra Mundial.

Já tendo atuado como agente secreto da C.I.A. e do Serviço Secreto Canadense, ao cair em desgraça junto a seus superiores, ele foi caçado como uma ameaça, capturado e enviado a custódia de cientistas canadenses, participantes do "Programa Arma-X", quando se descobriu que ele era um mutante com fator de regeneração e com garras ósseas retráteis saindo de cada pulso. Esse programa, (parte do programa Arma Extra, que objetivava criar máquinas de guerra perfeitas), precisava de "voluntários" para sua técnica de implantes de Adamantium, (um metal fictício, sendo o mais resistente da Terra), no esqueleto humano. Graças ao seu fator de cura, Logan conseguiu sobreviver aos experimentos: o resultado foi que todo o seu esqueleto foi revestido com o metal experimental.

- TROPA ALFA:

Conseguindo escapar do Programa, Logan viveu como um animal durante muito tempo nas florestas canadenses, sem memória e agindo apenas por instinto. Só voltou ao convívio da sociedade quando o casal Heather e James McDonald Hudson o encontraram, cuidando dele e o fazendo se comportar como um humano novamente. James (que era o herói Víndix) o convidou para fazer parte da Tropa Alfa, o super-grupo de heróis canadenses.

- X-MEN:

Logan atuou com o grupo canadense até ser convocado por Charles Xavier, o "Professor X" (juntamente com um grupo de mutantes novatos) para salvar seus pupilos originais de Krakoa, a "Ilha Viva". Após o bem sucedido resgate, Wolverine aceita o convite do Professor e permanece nos Estados Unidos, tornando-se um membro ativo dos X-Men, onde permanece até os dias de hoje.

Após a saga Queda dos Mutantes, no período em que os X-Men foram dados como mortos e passaram a atuar tendo como base uma cidade abandonada no deserto australiano (antiga base dos Carniceiros de Mutantes), Logan começou a dividir seu tempo junto com a equipe em aventuras solo. Estas se passavam em Madripoor (uma ilha, capital de um principado fictício ao Sul de Cingapura), onde ficou conhecido como Caolho, por usar um tampão em um olho. Essa fase foi mostrada no Brasil com o lançamento de sua Revista-Solo, pela Editora Abril, no início de 1992.

Logan já teve três esposas: a empresária japonesa Mariko Yashida, a índia canadense Raposa Prateada (fato questionável, devido aos implantes de memória que o herói recebeu) e a vilã conhecida como Víbora (antiga Madame Hidra). Este último casamento não ocorreu por vínculos afetivo: Wolverine se sentiu na obrigação de se casar para cumprir uma promessa feita a uma amiga já falecida a muitos anos atrás: Seraph, a fundadora do Bar Princesa. Já Víbora desejava assegurar seu domínio sobre o mundo do crime na cidade fictícia de Madripoor.

Um personagem de extremos, Wolverine já representou diversos "papéis" dentro dos X-Men. Tendo passado de "garoto-problema" a tutor e "consciência" do grupo, o comprometimento de Logan com o sonho de coexistência pacífica entre humanos e mutantes é total. Considerando os X-Men sua família, ele, de sua maneira característica, sempre oferece ajuda a todos os membros em momentos de dificuldade, aconselhando-os ou chamando-os à realidade, da maneira que se fizer necessária.

- CARACTERÍSTICAS:

Wolverine é famoso pela baixa estatura, recebendo por muitas vezes a alcunha de "baixinho". O adamantium em seus ossos o deixa bastante pesado, isso faz com que seus músculos sejam mais desenvolvidos e seus golpes mais impactantes, pois em teoria seus oponentes recebem golpes de um punho com ossos de metal indestrutíveis. É mestre em várias modalidades de combate desarmado e armado (armas brancas e de fogo), já tendo treinado com grandes mestres orientais e tendo sido agente secreto de elite das maiores instituições de espionagem do mundo. É poliglota, sendo fluente em japonês e espanhol.

A principal característica de Wolverine é sua selvageria animal, que aliada a uma inabalável força de vontade, faz com que ele seja temido e respeitado pela maioria dos personagens da Marvel, apesar de não possuir poderes cósmicos.

- REGENERAÇÃO:

Seu principal poder mutante é o chamado Regeneração Celular, dom que lhe permite curar-se de qualquer ferimento ou envenenamento rapidamente, por mais mortal que este seja, além de não ficar doente e poder recuperar órgãos inteiros, através de uma imensa capacidade de regeneração celular. Wolverine já teve o próprio cérebro destruído por suas garras quando teve o corpo invadido por um vírus tecnorgânico e se recuperou em instantes. Provavelmente é esse poder que diminui assustadoramente seu envelhecimento.

- SENTIDO AGUÇADO E GARRAS RETRÁTEIS:

Além do fator de cura, Wolverine possui sentidos super aguçados, podendo rastrear o alvo pelo cheiro (como um lobo), tendo também audição e visão superiores a de um humano normal. Possui também 6 garras retráteis de 30 cm (3 em cada braço) que saem de seus antebraços por meio de contração muscular, como qualquer outro movimento. Essas garras, bem como seu esqueleto, foram recobertas artificialmente com o metal Adamatium, deixando seus ossos e garras indestrutíveis e transformando Wolverine em uma perfeita máquina de combate. Wolverine ganha um novo adamantium dado por apocalipse sendo á prova de magnetismo e é mais resistente.

- SEU ARQUI-INIMIGO:

O arqui-inimigo de Wolverine é Victor Creed (no filme X-Men Origins: Wolverine, aparece como sendo o seu irmão mais velho), mais conhecido como Dentes-de-Sabre. Adversários de longa data, possuem poderes quase equivalentes (o poder de cura de Creed é mais fraco, mas Creed é mais forte que Logan), o que, apesar do ódio declarado entre eles, gerou um certo respeito mútuo. Em combate, Creed é quase tão perigoso quanto Wolverine e é um dos raros oponentes que lhe são páreo. Um implante de memória fez Logan acreditar que Creed era seu pai e havia matado sua esposa Raposa Prateada, o que depois foi desmentido.

- NO CINEMA:

Nos cinemas o personagem foi interpretado pelo ator australiano Hugh Jackman em uma série de quatro filmes: X-Men, X-Men II, X-Men III e X-Men: Origins.

Mas diferente do personagem dos quadrinhos, Hugh Jackman é um cara alto e contra-põe uma das principais caraterísticas do personagem, que era exatamente a sua altura. No entanto, a atuação e a devoção do ator ao papel do mutante canadense já se tornou clássica.

- CURIOSIDADES FINAIS:

-Wolverine é o personagem da Marvel com o maior número de fãs. Suas sagas nos quadrinhos, já bateram recorde de vendas.
- Embora, muitos acusem o personagem de ser um dos mais violentos, é dele também as grandes sagas românticas...
- O visual de Wolverine foi baseado num animal canadense de mesmo nome. Aqui no Brasil, seu parente mais próximo é o Carcaju, um mamífero selvagem de pêlos ouriçados.
- Muitos defendem até hoje que seu grande amor foi Mariko, a japonesa com quem se apaixonou na saga "Tentáculos". E sua relação com a jovem mutante Jubileu conquistou muitos leitores pela lealdade e amizade que ambos fortaleceram juntos.

* Wolverine é, de fato, o personagem que mais gosto da Marvel. E ele é a TRIGÉSIMA QUARTA IMAGEM que compõe o título desse Blog.

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Os Trapalhões

Houve um tempo, mais precisamente nas décadas de 70, 80 e até meados de 90, que Didi Mocó Sonrisep Colesterol Novalgina Mufumbo (com dois "b", como ele dizia) era verdadeiramente ENGRAÇADO... num tempo onde o "Politicamente Correto" ainda não ditava suas regras, Didi não se resumia a esse humorista de hoje, que mais virou um produto reformulado de uma maneira esquemática e boba por um padrão televisivo que não entende mais nada de comédia! Didi, o LÍDER do melhor quarteto humorístico DO MUNDO chamado "Os Trapalhões" (formado pelos companheiros Dedé, Mussum e Zacarias), atualmente é uma caricatura sem graça de si mesmo. O que para os fãs de outrora, como eu, é uma pena!

Vejam esse video que mostra o quanto eles eram bons juntos:

A História:

Os Trapalhões foi um famoso grupo humorístico brasileiro que obteve sucesso na televisão e no cinema desde meados da década de 1960 até por volta de 1990. O grupo era composto por Didi (Renato Aragão), Dedé (Manfriedi Santana), Mussum (Antônio Carlos) e Zacarias (Mauro Gonçalves); cada um desenvolveu uma persona cênica distinta.

O quarteto tinha um programa de televisão homônimo criado por Wilton Franco, que estreou em março de 1977, antes do Fantástico. Exibido aos domingos, o programa apresentava uma sucessão de esquetes entremeados sem aparente conexão, exceto a presença d'Os Trapalhões.

Um dos maiores fenômenos de popularidade e audiência no Brasil em toda a história, Os Trapalhões entrou para o Livro Guiness de Recordes Mundiais como o programa humorístico de esquetes de maior duração da televisão, com trinta anos de exibição.

Vejam esse hilário quadro com Didi, Dedé, Mussum e a narração de Zacarias:

Os Personagens:

• Didi (Renato Aragão): Um esperto cearense com linguajar e aparência bastante cômicos, e que poucas vezes terminava as cenas com má sorte ou como perdedor, tanto enfrentando inimigos como seus próprios três companheiros. Apesar de ser o líder do grupo, em certas cenas é considerado pelos seus três companheiros como o membro de menor importância. Era apelidado de "cardeal", "cearense", "cabecinha" ou "cabeça-chata", referindo-se à sua condição de retirante nordestino.
• Dedé (Manfriedi Santana): Era o que agia com mais seriedade e considerado o cérebro do grupo, sendo uma espécie de "segundo no comando". Sua masculinidade era sempre ironizada por Didi, que criava apelidos como "Divino".
• Mussum (Antônio Carlos: Um bem-humorado negro carioca que tinha orgulho de dizer que era natural do Morro da Mangueira, uma comunidade do Rio de Janeiro. Possuía um linguajar bastante peculiar, sempre empregando o "is" no final de quase todas as palavras, criando assim os bordões "cacildis" e "forévis". Sua maior paixão é a cachaça, a qual ele chama de "mé" (ou "mel"). Devido ao fato de ser negro, era sempre alvo de piadas e apelidos, como ser chamado ironicamente de Maizena por Didi, ou mesmo "azulão", "Mumu da Mangueira" ou "cromado".
• Zacarias (Mauro Gonçalves): Um tímido e baixinho mineiro com personalidade infantil e voz bastante fina, como a de uma criança. Por ser calvo, sempre usava uma peruca.

Vejam a QUALIDADE dessa impagável esquete:

A estréia na TV Globo:

Em 1977, o diretor de operações da TV Globo, José Bonifácio de Oliveira Sobrinho, o Boni, convidou os Trapalhões para levar seu programa para a emissora. Renato Aragão conta que temia aceitar a proposta. Afinal, na Tupi, ele tinha toda a liberdade para ser irreverente o quanto quisesse. A Globo era conhecida pelo seu famoso padrão de qualidade, e o humorista não tinha certeza se os Trapalhões se encaixariam nele. Para não ter que recusar formalmente a proposta, ele chegou a fazer uma lista de exigências de três páginas na qual determinava quais seriam o diretor, redator e o horário do programa. Para sua surpresa, Boni aceitou sem questionamentos as exigências. Os Trapalhões mudaram, então, de emissora.Depois de dois especiais exibidos dentro da faixa de programação Sexta super, às 21h, em janeiro e fevereiro, Os Trapalhões estreou em 13 de março de 1977, aos domingos, antes do Fantástico. O programa apresentava uma sucessão de esquetes entremeados com números musicais, exibidos sem aparente conexão, exceto a presença dos próprios Trapalhões.

Um quadro mais longo, cheio de ação e diálogos, podia ser seguido por uma sucessão de gags visuais curtas e um quadro fixo como o Trapaswat, uma paródia do seriado americano SWAT. O diretor Augusto César Vanucci citava as chanchadas e a comédia pastelão como principais referências, mas não havia um formato pré-estabelecido. Segundo Renato Aragão, qualquer ideia podia virar um esquete a qualquer momento. Ele conta que, certa vez, a caminho do estúdio, ouviu no rádio a canção Teresinha, de Chico Buarque. Achou que a letra – a história de vários amores do ponto-de-vista de uma mulher – daria um quadro para Os Trapalhões. Ao chegar ao Teatro Fênix, onde era gravado o programa, escreveu ele próprio o esquete e, no mesmo dia, gravou uma espécie de videoclipe satírico no qual o quarteto interpretava os personagens da música.Foi a primeira de uma série de paródias de musicais que marcaram o humorístico. Os Trapalhões também costumavam participar dos números dos cantores convidados. Quando Ney Matogrosso foi ao programa, Didi estava trajando figurinos e maquiagem idênticos aos dele, por exemplo. Situação parecida aconteceu em outras ocasiões com outros artistas, como Elba Ramalho e Tony Tornado.

Esquete musical quando eles parodiavam cantores (muito legal!!!):

O programa também tinha outros atores fixos que não faziam parte do quarteto principal: o hilariante Tião Macalé (que imortalizou o bordão "Ih! Nojento!"), Jorge Lafont (que satirizava os homossexuais), Emil Rachid (o gigante atrapalhado de 2,23 m), Carlos Kurt (o "alemão" de olhos esbugalhados e sempre mal-humorado), Felipe Levy (frequentemente no papel de "chefe" ou "comandante"), Roberto Guilherme (o eterno "Sargento Pincel", quase o quinto trapalhão, uma vez que acompanhou o grupo em toda sua trajetória), Dino Santanna (irmão de Dedé Santana), o anão Quinzinho entre muitos outros.

A primeira baixa:

O grande e primeiro baque para os humoristas, foi a perda do companheiro Zacarias em março de 1990. O falecimento daquele que era considerado um dos mais engraçados e ingênuos do quarteto, deixou os outros integrantes e os fãs completamente arrasados. Mussum, um grande amigo de Zaca, chegou a cogitar sair do programa de vez, mas insistido pelos outros dois amigos Didi e Dedé, o carioca permaneceu. Dois anos mais tarde, agora como um trio, o programa justamente pela ausência de Zacarias, começa a sofrer mudanças e um pouco do estilo dos quadros são alterados.

Zacarias e Didi, num quadro EXCELENTE:

Foi nessa época, inclusive, que quadros como o da "Vila Vintém", - onde Didi fazia o morador de rua "Bongo" (uma clara homenagem ao vagabundo Carlitos, de Charles Chaplin) -, Zé do Brejo (uma crítica aos anos duros da seca nordestina e ao coronelismo) e o hilário "Oooos Pirata", onde Didi, Dedé e Mussum faziam bucaneiros invasores de navios conquistaram novos públicos.

A segunda e derradeira queda:

Em 29 de julho de 1994, aquele que era visto como talvez o comediante mais completo do grupo, morre. Mussum faleceu em decorrência de problemas no coração, deixando o restante dos integrantes desolados e sem mais conseguir reagir. Dedé se afasta e confessa não estar mais com força para dar continuidade e Renato Aragão conta que achou que sua carreira havia chegado ao fim definitivamente. Depois de ainda tentar prosseguir durante um tempo, o humorista decidiu parar de gravar o programa. Nesse terrível ano, eles deixaram de gravar quadros para exibir apenas reprises: versões compactas de 25 minutos com os melhores momentos dos Trapalhões desde a estreia em 1977 passaram a ser exibidos de segunda à sexta, às 17h. A direção era de Fernando Gueiros, com supervisão geral de Maurício Sherman.

Antes de Malhação estrear, esse horário foi preenchido por essas reprises e a emissora percebeu que a audiência era grande com esse antigos quadros, o que acabou trazendo uma nova motivação para os produtores que começam a pensar em reestrear o programa para os anos 2000.

Uma esquete onde o Mussum mostrava o quanto ele era bom:

Atualmente:

Após várias discussões e debates na Rede Globo, Dedé Santana reergueu sua parceria com Aragão no programa de televisão A Turma do Didi, dirigido por Guto Franco. O episódio foi transmitido no domingo,dia 22 de junho de 2008 e contou com a participação dos amigos juntos.Após os momentos de nostalgia e brincadeiras entre a equipe técnica, que confirma que Didi ficou à vontade ao trabalhar com Dedé, o elenco surpreendeu-os com bolo e festa pela presença do humorista novamente na trupe. Foram quase quinze anos de distância profissional, mas a amizade, dizem eles, continua a mesma. Apesar de toda a alegria do reencontro, nenhuma menção ao extinto Os Trapalhões foi feita. "Reviver o passado é muito duro para nós dois. Não podemos fazer nenhuma referência; foi uma época de ouro, agora é outro trabalho, novos tempos", explica Aragão, o Didi.

Comenta-se que a Globo resistiu mas sem nunca recusar a possibilidade dos últimos integrantes trabalharem juntos novamente. Para os antigos fãs da série, este acontecimento marcou um real acordo entre os dois "trapalhões" remanescentes.

A famosa abertura de Os Trapalhões:

A primeira abertura (com o tema tocado em Orquestra!):

A abertura original d'Os Trapalhões foi concebida por Hans Donner em 1977. Era um desenho animado que mostrava Didi, Dedé, Mussum e Zacarias numa sequência de situações absurdas. Entre outras aventuras, os quatro escapavam de ser atropelados por uma locomotiva, fugiam da perseguição de um tubarão, atravessavam o sertão vestidos como cangaceiros e subiam a bordo de um navio pirata no qual Didi aparecia como capitão, usando uma perna-de-pau. Tudo isso ao som do tema instrumental que acompanharia o grupo ao longo dos anos, composto pelo diretor musical do programa José Menezes França. O programa ganhou nova abertura de Hans Donner em 1987. Dessa vez, os quatro comediantes gravaram todas as cenas em película, como se estivessem contracenando com outros atores.

A abertura mais clássica e modernizada feita nos anos 80 (essa eu era criança!):

Depois, suas imagens foram coloridas por computador e foram inseridos desenhos animados. Como na primeira abertura, os Trapalhões eram mostrados em diversas situações cômicas, mas, dessa vez, os traços realistas ressaltavam o absurdo das gags: Dedé era um frentista de posto de gasolina que, distraído com a passagem de uma mulher de biquíni, quase afogava um cliente com combustível; Mussum era um pescador que secava um rio quando acidentalmente arrancava a tampa de um ralo imaginário gigante; Zacarias era um caçador embrenhado na mata que levava um ovo na cara quando tentava atirar num passarinho; e Didi, um presidiário que fazia embaixadas com a bola de ferro presa ao seu tornozelo, dava um belo chute de bicicleta e era catapultado para fora dos muros da prisão. Renato Aragão lembra que teve que repetir a cena da bicicleta diversas vezes, sem dublê, até que o diretor se desse por satisfeito com o resultado. Para começar, pela primeira vez, desde a estreia, os humoristas não apareciam na vinheta de abertura. Dessa vez, uma animação mostrava as letras da logomarca do programa executando um balé no vídeo até que, por fim, se uniam para formar as palavras “Os Trapalhões”. em 1992 eles três voltaram com uma nova abertura: Mussum-o guarda de trânsito atrapalhado, Dedé um tocador de flauta ilusionista e Didi um domador de elefante. Em 1993, uma última abertura foi criada por Hans Donner, dessa vez, os três protagonistas eram marionetes manipulado pelos próprios.

A última abertura do programa:

Em 31 de Julho de 1994, com a morte de Mussum, foi intitulado como "os melhores momentos de todos os tempos"… a abertura ficou similar com a anterior, e contava com diversas montagens de todas as aberturas.

Curiosidades Finais:

Os Trapalhões trouxeram para a TV Globo sua marca-registrada: o hábito de improvisar em cena e inserir cacos no texto com o único objetivo de fazer o público rir, sem a preocupação de respeitar normas cênicas convencionais. Assim, era comum que Didi levantasse a grama cenográfica para esconder uma chave, chutasse rochedos feitos de isopor para o alto, atravessasse paredes falsas ou denunciasse a ironia de estar fingindo se afogar em um mar feito de celofane. Também era freqüente que os colegas de cena explodissem em gargalhadas no meio das falas e, em seguida, voltassem normalmente ao script.

• Para Renato Aragão, a improvisação foi um recurso tão vital para o humor do programa quanto o texto. Ele conta que, no início, chegou a ser advertido por meio de memorandos de que seus cacos ameaçavam “desmistificar a televisão”. Boni, no entanto, tratou de dar aos comediantes carta branca para que fizessem o que bem entendessem.
• Renato Aragão criava bordões com extrema facilidade usando expressões já existentes ou simplesmente inventando coisas como “audácia da pilombeta!”. Vários bordões de Didi foram incorporados pelo público e expressões como “é fria!” (encrenca); “bufunfa” (dinheiro), “poupança” (traseiro), “tesouro” ou “bicho bom” (mulher bonita) se tornaram gírias que são repetidas desde então. Didi também se comunicava diretamente com o telespectador do programa chamando-o de “ô da poltrona” ou simplesmente de “ô psit”.
• Renato Aragão criou ainda gestos que se pode chamar, com alguma liberdade poética, de “bordões visuais”, como o de passar a mão sobre a boca e depois estalar os dedos no ar, como quem recolhe um beijo e o sapeca no espaço. Um sinal de positivo com a cabeça ou até mesmo uma palavra positiva para mostrar aos demais personagens da cena que concordava com o que eles queriam lhe dizer, mas ao mesmo tempo esticava uma das pernas e com o calcanhar apoiado no chão balançava o pé para a direita e para a esquerda de forma negativa (quase que dizendo um "não" com o pé) e olhava para a público com um olhar de deboche dos demais personagens (muitas vezes esticando as sobrancelhas) indicando para a plateia que Didi no fundo não acreditava no que os outros personagens diziam para ele ou até mesmo duvidava da masculinidade de outros personagens, fazendo com que algumas vezes o público já soubesse de antemão que Didi iria se sair bem de qualquer situação que tinham aprontado para ele. Um gesto positivo, de confiança dirigido à câmera e, portanto, ao telespectador, que sintetizava o que outro dos bordões de Didi dizia em três palavras: “aguarde e confie”.
• Dedé também ficou na mente dos admiradores do humorista com suas risadas esquisitas, que intercalavam gargalhadas e soluços, sempre em tons altos (além de falar com voz aguda e segurar a barriga sempre que repetia esta risada)
• Mussum também eternizou outro bordão famoso d'Os Trapalhões. Ele usava a palavra inglesa “forever” – que significa “para sempre” em português – para designar várias coisas, em especial o traseiro. Pronunciada à sua maneira peculiar, a palavra se tornava “forévis”. Além do famoso "cacildis" sua maneira de dizer "calcilda", entendido como algo parecido com "caramba".
• Zacarias também possuía uma risada característica na qual o personagem colocava a mão na boca tapando dos dois dentes da frente, um som todo peculiar de mineirinho bem do interior. Também sempre que sofria com as trapalhadas dos demais companheiros ele contorcia os olhos e saia de cena fazendo movimentos estranhos como cacoetes de seu personagem, quando as armações eram feitas por Didi, o Zacarias gritava com uma voz aguda e continua "Didiii!!!"

Pra finalizar, uma das esquetes que eu MAIS gosto!!! (sensacional):

* Eu sou um GRANDE FÃ do quarteto. Não consigo mais achar tanta graça nos programas atuais feitos por Didi e Dedé, infelizmente. Apesar de ainda torcer por eles, não encontro mais vestígios de originalidade e criatividade como eram com os quatro humoristas. Portanto, eu sei muito bem diferenciar o que é hoje o burocrático "A Turma do Didi" , do clássico, cultuado e autêntico "Os Trapalhões".

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Jack Sparrow

Antes de mais nada, não falo aqui dos FILMES "Piratas do Caribe", mas sim, de seu personagem mais marcante e emblemático, que se tornou um ícone na obra e um símbolo no gênero, tornando-se praticamente uma espécie de Indiana Jones dos 7 Mares... falo do inesquecível pirata JACK SPARROW, a figura mais completa, divertida e emocionante de toda a saga!!!

A Criação do Personagem:

Capitão Jack Sparrow é um pirata fictício criado pelos escritores Ted Eliott e Terry Rossio, e interpretado pelo ator Johnny Depp. O personagem é apresentado em "Piratas do Caribe - A maldição do Pérola Negra", aparecendo depois nas sequências "Piratas do Caribe - O Baú da Morte" e "Piratas do Caribe - No Fim do Mundo", e em breve, estará no próximo "Piratas do Caribe - Em Águas Misteriosas", sendo o protagonista em todos eles.

O ator Johnny Depp afirma que Keith Richards, guitarrista dos Rolling Stones, que fez o papel do pai de Sparrow no terceiro filme da série, e o personagem de desenho animado Pepe Le Pew (o gambá que era apaixonado por uma gatinha), são suas inspirações para sua atuação na trilogia. Entretanto, é possível que Errol Flynn - inicialmente em Capitão Blood (de 1938) - também tenha sido uma influência. Depp também disse que imaginou os piratas como os "astros de rock daquela época"; eram como as verdadeiras lendas do Rock! Essa foi a ideia que Johnny tentou passar a respeito da liberdade, que é mostrada nos livros e nos filmes: essa busca por liberdade que o personagem Jack Sparrow buscou em toda a sua vida. Sua interpretação lhe rendeu uma indicaçação ao Oscar de Melhor Ator, uma raridade para papel cômico. Os roteiristas Ted Eliott e Terry Rossio compararam seu personagem ao Pernalonga e Groucho Marx nos comentários do DVD do primeiro filme da trilogia.

A Origem de Jack Sparrow:

De acordo com a Disney e com o jogo baseado na trilogia, Jack Sparrow, é filho único do destemido pirata Teague Sparrow e já foi um empregado da "Companhia das Índias Orientais"(da sigla C.I.O.). Ele comandava o Wicked Wench, uma embarcação mercante da C.I.O., executando trabalhos ímpares para o dono Cutler Beckett. Entretanto, quando Jack se recusa a transportar escravos, e os liberta na África, Beckett ordena que o Wicked Wench seja queimado (e naufragado), e cataloga Sparrow como pirata. Jack incorporou seu status de fora-da-lei, transformando-se num pirata bem sucedido com nenhum desejo em retornar à vida sob o comando de outro. Mais tarde, ele pediu à Davy Jones (que aparece no segundo filme), para emergir seu navio do fundo do oceano. Ele então o batiza de Pérola Negra.

A editora da Disney começou em Junho de 2006 uma série de livros para jovens leitores, narrando as aventuras de Sparrow quando era adolescente. Escrito por Rob Kidd, os quatro primeiros livros, seguem Jack e seu jovem bando em uma busca contínua atrás da legendária Espada de Cortês. Ao longo do caminho, ele guerrea com piratas, enfrenta maldições antigas, sereias, e o poder do oceano. Tudo com aquele jeito peculiar e fascinante que marcou o perfil do personagem!

Sobre o personagem:

Jack Sparrow é uma daquelas figuras mitológicas e lendárias que só víamos em fábulas e contos de aventura. No máximo, em livros de capa-e-espada que tanto os nossos avôs gostavam. Sparrow resgata aquela aura dos grandes personagens de fantasia, é um verdadeiro representante das jornadas marítimas que tanto rodeavam as histórias de piratas. Se o Cinema estava carente de um bom anti-herói, Jack Sparrow surgiu no momento certo e que além de ser dúbio, provocar a estranheza e incitar a dualidade de cada personagem, ele no fundo parece ser um grande brincalhão... um personagem que mesmo nos momentos de maior perigo e tensão, consegue ver um lado positivo daquilo tudo ou mesmo não ver nenhuma ameaça tão negativa a ele. É uma divertida síntese do Homem Livre. Daquele herói, ou anti-herói sem amarras sociais, culturais ou mesmo morais, que poderiam o impossibilitar de ser feliz.

É fascinante também que Jack Sparrow, assim como personagem, se torna ainda mais "rico" e completo na criação, devido aos elementos que compõem seu universo. O pirata possui uma bússola que jamais funciona, mas que ele leva junto dele (o que pode representar a indiferença pelo destino e pelos caminhos a serem trilhados... como se Sparrow desejasse sempre ir aonde desse vontade, sem nada para guiá-lo). Jack também possui um pai que ele não vê há algum tempo, até por causa de sua vida totalmente desregrada, mas que não é motivo para que ele deixe de falar com sua figura máxima paterna (representando aí, um homem totalmente desvinculado de rancores, mágoas ou qualquer outro impecilho)... ele gosta do pai dele do jeito que o pai é. Pois talvez, saiba que não é muito diferente. E além do jeito de falar e do jeito de andar, Jack Sparrow é um exímio espadachim, o que representa também o não julgamento pela aparência, já que quando muitos poderiam duvidar de sua capacidade como lutador, ele demonstra justamente o contrário, que ninguém pode julgá-lo pelo jeito que ele se exibe... até porquê, pode ser tudo falsamente planejado para ludibriar e enganar seus inimigos!

Sua vida amorosa sempre foi um grande mistério, condizendo mais com um estilo de vida libertino e fanfarrão... mas em sua próxima aventura (o 4º filme), parece que descobriremos um pouco mais do verdadeiro amor que Jack nutriu por alguém. Ou não.

Um personagem maravilhosamente criado e magistralmente interpretado pelo sempre competente Johnny Depp!

As loucas frases do Pirata:

Sparrow também é conhecido por suas frases antológicas e muitas delas consideradas verdadeiras pérolas, como essas que ele proferiu durante suas três aventuras:

• "Nos desonestos pode-se sempre confiar na desonestidade. Honestamente, os honestos é que deviam ser vigiados pois nunca se sabe quando farão alguma coisa realmente estúpida."

• "Se não tivermos a chave não podemos abrir aquilo que não temos com que abrir, então do que adiantaria encontrar aquilo que precisa se aberto, e que não temos, sem primeiro encontrar a chave que o abra?"

• "Agora...tragam-me o horizonte."

• "Eu tenho um jarro de terra, Eu tenho um jarro de terra,
  Eu tenho um jarro de terra. E adivinha o que tem dentro?"
  

• - Todos tem momentos heróicos. Você nunca sentiu vontade de fazer algo realmente certo? - Eu gosto desses momentos! Adoro acenar pra eles quando passam por mim.
  

• "Ela está a salvo como eu prometi, ela vai se casar com Norrington como ela prometeu, e você tem que morrerpor ela como você prometeu. Somos todos homens de palavra, exceto Elizabeth, que na verdade é uma mulher. "

• "Ninguém se mexe! Meu cérebro caiu."

• "Parem de fazer buracos no meu navio!"

• "Não é uma chave. Melhor... é o desenho de uma chave."
  

• "Vocês vieram me salvar? Porque eu deveria ir com vocês? Quatro de vocês já tentaram me matar. E um conseguiu."

• "O homem que o acordou convida o que dormia para um drink, o homem que dormia bebe, enquanto ouve uma proposta do homem que o fez acordar."
  

• Jack a Mr. Gibbs: Pode jogar meu chapéu, se quiser. *Mr. Gibbs joga o chapéu* Jack a Mr. Gibbs: Agora vá pegá-lo!
  

• "Se não tem sobreviventes, então quem conta as histórias?"

• "Complicações surgiram, continuaram e foram superadas."

• "Sim, eu menti para você. Eu não amo você! E é claro que isso deixa você gorda! Eu nunca estive em bruxelas, e a pronúncia é 'N-O-T-Ó-R-I-O', falando nisso, não, eu não conheci Pizzaro, mas adoro Pizzas, e tudo perde significado em vista do fato que meu navio partiu outra vez"
  

• "De nós dois, eu sou aquele que não se amotinou. Portanto, minha palavra é a confiável."
  

• "Xô, Xô! Maldiçao! Agora estou sendo perseguido por pedras!"

* Jack Sparrow é um personagem altamente cativante e muito bem criado, e ele é a TRIGÉSIMA SEGUNDA imagem que compõe o título desse Blog!

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Toy Story

Toy Story é um filme norte-americano do gênero animação computadorizada do ano de 1995. É conhecido por ser o primeiro longa metragem dos estúdios Pixar e também o primeiro da história totalmente feito por computação gráfica (houve uma tentativa anterior, uma produção chamada The Works, que nunca foi concluída), embora haja controvérsias e muitos considerem que este feito pertença à produção brasileira Cassiopéia.

Com críticas totalmente favoráveis, o filme arrecadou 191.796.000 dólares nos Estados Unidos (a maior bilheteria de 1995) e 358.100.000 dólares em todo o mundo. Foi seguido de Toy Story 2 em 1999 e Toy Story 3 em 2010.

(Woody e Buzz, começando a se conhecer e começando a se implicar...)

De uma forma envolvente e altamente carismática, a história de Toy Story conta com as aventuras de brinquedos que ganham vida e conversam entre si, quando, e somente quando, nenhum ser humano está por perto. A graça do roteiro já ganha "forma" aí, quando vemos que todos aqueles bonecos e bichos podem falar e caminhar, mas sem deixar com que as pessoas percebam, já que eles foram construídos para possuírem um dono e serem brincados. Há uma metáfora aí de que devemos seguir nossa natureza, não importa o que somos! Tanto é que em determinado momento do filme, Woody, o cowboy de pano "quebra" essa regra e aparece como uma criatura viva junto de outros brinquedos maltratados por um garoto rebelde para justamente assustá-lo e dá-lhe uma lição!

Outra questão muito bem trabalhada no foco principal da história, é que o menino Andy de apenas 8 anos (dono dos brinquedos principais do filme), ganhou um novo brinquedo: um boneco espacial todo arrojado e cheio de tecnologia... o que implicaria numa certa "inveja" ou ciúme do simplório cowboy de pano Woody, que não gostaria de ser substituído ou deixado para trás. Momentos interessantes e até comoventes serão delineados através desse embate entre Woody e o boneco espacial Buzz Lightyear.

(O Senhor e a Senhora Cabeça-de-Batata... coadjuvantes hilários!!!)

A amizade é outro fator essencial nessa obra original; enquanto o espectador testemunha a rixa entre Woody e Buzz numa certa disputa para quem será o preferido de Andy, eles acabam se perdendo de casa e os outros brinquedos então se reúnem para salvá-los. Em um certo momento na trama, os outros brinquedos acham que Woody matou Buzz, e é então que o cowboy precisa provar que é inocente... mas como? Justamente com a ajuda de Buzz, e para isso, o ponto forte do roteiro surge... Woody e Buzz, antes rivais, precisam agora unir forças e se juntar para além de achar o caminho de volta para casa, provar a inocência de Woody e reencontrar os outros amigos brinquedos!

Tanto a história principal, quanto a perfeita direção de John Lasseter (ainda galgando no aprimoramento da animação computadorizada), conquista o espectador de cara, e não restringe a idade: Toy Story é um autêntico filme tanto para crianças de 8 anos, quanto para um velhinho de 80 anos!!! É, sinceramente, uma das animações que mais me cativou quando vi no Cinema.

(Woody reunindo todos os brinquedos no quarto de Andy Davis)

O filme recebeu ótimas críticas em todos os países em que foi exibido. Segundo o site especializado Rotten Tomatoes a avaliação do filme é de 100% baseado em 74 críticas, outro site, o Metacritic deu ao filme 96 de 100 possiveis avaliações positivas.

A revista Time elegeu a produção como o oitavo melhor filme de 1995. A Online Film Critics Society revelou em uma lista em 2003 que Toy Story é a melhor animação de todos os tempos.

Os primeiros cinco dias de exibição de Toy Story (numa semana de Ação de Graças), arrecadaram $39,071,176. O filme foi a maior bilheteria daquele final de semana com $29,140,617 arrecadados. Nas duas outras semanas o filme manteve a primeira colocação no ranking de maiores bilheterias. Toy Story foi a maior bilheteria de um filme nos EUA em 1995, passando produções como Batman Forever e Apollo 13. No ano de seu lançamento, foi a terceira maior bilheteria de um filme do gênero (apenas O Rei Leão and Alladin estavam a sua frente). Não considerando a inflação, Toy Story está na posição 96 de todas as maiores bilheterias nos EUA de todos os tempos. O filme arrecadou um total domestico de $191,796,233, um total de outros mercados de $170,162,503, somando um total mundial de $361,958,736.

(Woody, Buzz e o carrinho remoto atrás do caminhão de mudança de Andy... um momento adrenalínico!)

Toy Story recebeu três indicações ao Óscar: Melhor Trilha Sonora em Comédia, Melhor Roteiro Original e Melhor Canção ("Amigo Estou aqui"). Toy Story também recebeu duas indicações ao Globo de Ouro: Melhor Filme em Comédia e Melhor Canção ("Amigo Estou Aqui").

CURIOSIDADES:

• Toy Story foi o primeiro filme realizado através da parceria entre a Walt Disney Pictures e a Pixar
• O carro do Pizza Planet que Buzz e Woody pegam para encontrar Andy, aparece em outros filmes da Disney/Pixar, como em Procurando Nemo, Monstros SA, WALL-E, Vida de Inseto e Carros
• Essa mesma picape tem escrita na tampa da caçamba "YO", que seria um disfarce para a marca Toyota. Quando Porquinho está lendo o manual dela, aparece "Gyoza", que seria um siginificado para o YO na tampa traseira.
• O soldado que Sid explode no quintal seria um G.I. Joe, más a empresa Hasbro não permitiu usa-lo no filme pelo fato dele explodir.
• No comercial do brinquedo Buzz Linghtyear eles mencionam sobre a loja Celeiro de brinquedos do Al.
• O posto de gasolina no qual Woody e Buzz brigam (e depois entram no carro da Pizza Planet), se chama Dinoco (o mesmo de Carros).
• Na reunião de Woody com os brinquedos antes do aniversário de Andy, dá para ver alguns livros na estante atrás de Woody com títulos de curtas da Pixar, como Knick Knack, Tin Toy e etc.
• Na cena em que Woody e Buzz vão atrás do caminhão de mudanças, á uma menção do filme O Rei Leão onde no carro, Molly escuta a música "Hakuna Matata.
• Na parte do quarto do Andy que da pra ver os jogos deles, da pra ver jogos conhecidos como Twister e Candy Land.

* Eu adoro todos os 3 Toy Stories e considero, sem exagero algum, uma das melhores trilogias da História do Cinema... e Toy Story é a TRIGÉSIMA PRIMEIRA imagem no título desse Blog.

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Jack Nicholson

John Joseph Nicholson nasceu em Nova Iorque, em 22 de Abril de 1937. Sua mãe, June Frances Nicholson, era uma artista de shows e descendente de ingleses e iranianos, que havia sido anteriormente casada com um executivo de shows ítalo-americano, Donald Furcillo. June se descobriu grávida assim que se separou de Furcillo. Furcillo, já casado novamente, não quis saber da criança e então a mãe de June, Ethel, se ofereceu para cuidar do neto e insistiu para que ela deixasse o bebê aos seus cuidados, para que June pudesse assim seguir sua carreira de dançarina que era o seu sonho.

Assim, Jack cresceu acreditando que seus avós maternos John (um decorador de janelas de loja de departamentos em Asbury Park, Nova Jersey) e Ethel May, uma cabeleireira e tratadora cosmética, e artista amadora em Neptune, Nova Jersey, eram seus pais. Nicholson só veio a descobrir que seus pais eram na verdade seus avós, e sua irmã na verdade era sua mãe, apenas em 1974, já com 37 anos, após ser informado por um jornalista da Time Magazine que estava escrevendo sobre ele, enquanto filmava The Fortune. Nesta época, tanto sua mãe quanto sua avó já tinham falecido (em 1963 e 1970).

Jack Nicholson sempre declarou que não soube quem era seu pai, dizendo "apenas Ethel e June sabiam, e nunca contaram a ninguém". Apesar de Donald Furcillo dizer ser pai de Nicholson, a biografia de Patrick McGilligan, "A vida de Jack", publicada em dezembro de 1995, afirma que Eddie King, empresário de June, poderia ser o pai. Nicholson nunca quis se prolongar nisso, dizendo com seu famoso humor irônico "são pessoas que eu nunca tive contato, então, pouco me importam! Mas se quiserem fazer um filme sobre minha vida, escolham pelo menos um ator decente para me interpretar!"

(Medonho e insandecido com a cara na porta arrebentada à machadadas, no clássico "O Iluminado")

Apesar de, pessoalmente, Nicholson ser contra o aborto, ele é a favor da liberdade de escolha: "sou muito contrário à minha posição em termos do aborto porque sou realmente contra ele. Não tenho direito a nenhum outro ponto de vista. Minha única emoção é gratidão, literalmente, por minha vida".

Em sua vida pessoal adulta, Nicholson é notório por ser incapaz de "sossegar". Sabe-se que ele tem quatro filhos com três diferentes mães, apesar de ter se casado apenas uma vez. Tem uma filha chamada Jennifer Nicholson com sua agora ex-mulher Sandra Knight, um menino chamado Caleb Goddard com Susan Anspach, e o casal Lorraine e Raymond Nicholson com Rebecca Broussard. Ele foi romanticamente ligado a várias atrizes e modelos por décadas. Muitas inclusive, o elogiavam sexualmente, dizendo que Jack era um dos homens mais fervorosos, divertidos e carinhosos na cama! O relacionamento mais longo de Nicholson durou 17 anos, com a atriz Anjelica Huston, a filha do lendário diretor John Huston.

A BRILHANTE CARREIRA:

Em sua carreira, começou como ator, escritor e produtor, trabalhando para e com Roger Corman. Isto incluiu sua estréia na tela, em The Cry Baby Killer (1958), onde ele fez o papel de um delinqüente juvenil que entra em pânico após atirar em outros dois adolescentes, e Little Shop of Horrors (no Brasil, A Pequena Loja de Horrores), onde fez um pequeno papel como um paciente masoquista em um dentista.

(Em uma de suas mais arrebatadoras performances: o rebelde Randall McMurphy de "Um Estranho No Ninho", filme que lhe deu o Oscar de melhor ator)

Seu trabalho no roteiro lisérgico de The Trip, estrelada por Peter Fonda e Dennis Hopper, o levou a seu primeiro trabalho de sucesso no clássico Sem Destino (Easy Rider, 1969). No filme, Nicholson faz o papel do advogado beberrão "George Hanson", pelo qual recebeu sua primeira indicação ao Óscar. Uma indicação/nomeação para Melhor Ator veio no ano seguinte, por seu papel em Cada um Vive Como Quer (1970), que inclui seu famoso diálogo com uma salada de frango sobre obter o que se quer.

Outros primeiros filmes pelos quais ele é famoso incluem The Last Detail, de Hal Ashby (1973), Chinatown de Roman Polanski (1974), Um estranho no ninho de Milos Forman (1975), pelo qual recebeu seu primeiro Óscar e O iluminado de Stanley Kubrick. Nicholson ganhou um prêmio da Academia por Melhor Ator (coadjuvante/secundário) por seu papel no tocante e comovente Laços de Ternura (1983). A essa altura, tanto a crítica quanto o público, já consideravam Jack Nicholson como um dos maiores atores do Cinema, ao lado de nomes como Brando, Pacino e De Niro.

(No premiado e romântico drama "Laços de Ternura", com Shirley McClane e Debra Winger, onde vive um carismático astronauta aposentado)

O Batman de 1989, onde Nicholson fez o papel do supervilão Coringa (Joker), foi um êxito internacional, e o ator fez algo inédito desde então: realizou um contrato com a ajuda de Tim Burton recebendo a porcentagem nos lucros da bilheteria do filme, o que deu a Nicholson cerca de 50 milhões de dólares. Anos mais tarde sugeriu ao amigo Danny DeVito que fizesse o "Pinguim" na sequência Batman Returns como investimento potencial. No entanto, ele adorou ter feito o Coringa e disse "Burton foi um amigão e eu fiz o vilão como quem vai pro Circo pra se divertir!"

(No clássico "Batman" de Tim Burton, onde viveu um Coringa que rouba todas as cenas)

Por seu papel como o impetuoso "Coronel Nathan R. Jessep", em Uma Questão de Honra (1992), um filme sombrio sobre um assassinato em uma unidade dos fuzileiros navais dos EUA, ele recebeu outra nomeação pela Academia. Este filme contém a cena de Nicholson onde ele diz "você não pode lidar com a verdade!", que desde então se tornou amplamente conhecida e imitada. Nicholson iria ganhar seu Oscar seguinte por um de seus papéis mais brilhantes e comoventes, tido por muitos, como quase o seu alter-ego: o hipocondríaco neurótico cheio de TOC's Melvin Udall, no romântico Melhor é Impossível (1997), um personagem que ele diz ter sido um presente do amigo James L Brooks, produtor de Os Simpsons.

(Na comédia romântica "Melhor é Impossível", que lhe premiou com outro Oscar por viver um sujeito sistemático e cheio de Transtornos Obsessivos Compulsivos que se apaixona por uma garçonete)

No ótimo e reflexivo drama As Confissões Schmidt (2002), Nicholson faz o papel de um vendedor de seguros aposentado de Omaha, Nebraska, que questiona a própria vida e a morte de sua mulher pouco depois. O filme lento e profundamente emocional, aparece contrastando com muitos de seus papéis anteriores. Revela um Nicholson ciente de sua idade, de seu compromisso com o Cinema e acima de tudo, um talento que a versatilidade e a competência do ator, transborda em cada gesto e palavra. Comprovando essa espantosa facilidade em diversificar personagens com qualidade, na comédia Tratamento de Choque, Nicholson faz o terapista agressivo que deve ajudar o pacifista Adam Sandler. Mais uma vez, ele demonstra que domina qualquer tipo de papel. Seu filme seguinte é o divertido romance Alguém tem que Ceder, de 2003, como um "mauricinho" envelhecido, que se apaixona pela mãe de sua jovem namorada, ninguém menos que a colega Diane Keaton, que ele revela despudoradamente no fim das filmagens: "Eu sempre tive um tesão em Diane... na verdade, eu sempre desejei ter transado com ela décadas atrás. Como não foi possível dividir uma cama com ela e gozarmos do nosso sexo, divido agora um filme e gozamos do nosso talento, que é um prazer ainda mais forte!"

Nicholson retornou à sua forma vilanesca como o chefe durão da máfia Irlandesa, controlando Matt Damon e Leonardo DiCaprio no filme de Martin Scorsese Os Infiltrados (2006). Em 2007, Nicholson , juntamente com o amigo Morgan Freeman, protagonizou a comédia dramática Antes de partir (The bucket Listl), onde a vida de doentes terminais são colocadas no mais alto astral. Nicholson mais uma vez, transmite toda sua energia como ator.

Premiado com 7 Globos de Ouro, Jack Nicholson é conhecido por seu estilo irônico e algumas vezes obscuro, engraçado e neurótico de dar vida aos personagens que interpreta. Foi indicado ao Óscar doze vezes, vencendo em três oportunidades. É o ator que mais foi indicado e que, certamente, nunca abandonou o talento!

CURIOSIDADES:

• Nicholson é um grande torcedor dos Los Angeles Lakers, time da Associação Nacional de Basquete dos Estados Unidos (NBA). Sempre que os jogos são televisionados, Nicholson é invariavelmente o torcedor mais filmado durante os intervalos, acompanhado seja por sua namorada ou por algum de seus filhos mais novos.

• Em 1998, depois de visitar Cuba e conversar três horas com Fidel Castro, Nicholson disse ao jornal Daily Variety que Castro era um gênio louco. De acordo com Delfin Fernandez, ex-oficial da Inteligência cubana, o quarto de hotel em que Nicholson ficou hospedado estava entulhado de equipamentos de gravação de vídeo e áudio, seguindo instruções de Fidel. Este pediu que ele interpretasse a famosa fala de Al Pacino, no papel de Michael Corleone em O Poderoso Chefão.

• Seus amigos o chamam de "Pickles".

• Nicholson mede 5' 9¾", aproximadamente 1,77 metros.[2]

• Ele morou próximo, na mesma vizinhança, de seu amigo Danny DeVito em Nova Jersey durante os primeiros anos de suas carreiras.

• Deu um tapa na bunda de Ronald Reagan quando este já era presidente e disse que como ator, ele já merecia aquele tapa há muito tempo.

• É famoso por misturar bebidas estranhas... sua última "invenção" foi um Martíni, com Pepsi e uma dose de licor com Leite Condensado que ele deu para Robert Redford beber.

• Quando atuou com Tom Cruise em Uma Questão de Honra, disse que Tom é realmente um homem muito bonito, mas que jamais venceria o charme que ele (Nicholson) possuía.

• Disse também á ter desejado dormir com Meryl Streep, mas revelou que ela é "atriz demais" para ele, rs.

• Apesar da fama de brigão, Nicholson nunca fez escândalos ou confusões em lugar algum. Nem sequer reclama dos Paparazzi, mas fala para eles terem cuidado pra não pisar o seu pé.

• Informado de que o ator Heath Ledger o "Coringa" em The Dark Knight, havia sido encontrado morto em seu apartamento, e que poderia ter sido vítima de overdose, Nicholson disse ter ficado triste mas não perdeu a piada: "Eu o avisei que o personagem era enlouquecedor!"

* Sou um grande admirador desse ator fenomenal! Pra mim, Jack Nicholson é completo: faz terror, policial, drama, romance e comédia com o mesmo estupendo talento. E ele é a TRIGÉSIMA imagem que compõe o título desse Blog.

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O Sexto Sentido

Os anos 90 careciam de um bom suspense fantasmagórico. Não falo de filmes de terror escancarado onde assombrações atacam pessoas e dominam casas vazias, mas me refiro ao suspense mais puro que o cinema pode realizar; aquele vindo de uma narrativa envolvente, de uma direção segura e elegante, do verdadeiro suspense psicológico aliado a um drama onde os personagens estão posicionados como verdadeiras peças em um tabuleiro de xadrez... no qual o movimento final, será um verdadeiro xeque-mate de qualidade! "O Sexto Sentido" surgiu no finalzinho da década de 90, em 1999, e desde então, o mundo soube de fato que não era preciso efeitos especiais mirabolantes ou mesmo tanta pirotecnia, para que fosse construído uma autêntica obra-prima dentro do tema.

Antes de mais nada "O Sexto Sentido" não é um filme de terror. Não daqueles que seguem a fórmula hollywoodiana tão batida do gênero. O filme criado, dirigido, escrito e produzido pelo ainda então novato diretor indiano M. Night Shyamalan (de "Corpo Fechado", "Sinais", "A Vila" e de outros trabalhos que não merecem tanto destaque assim), consegue mesclar de forma perfeita uma tensão sobrenatural - desde o início da projeção - ao drama em que seus dois personagens principais estão inseridos, e que moverá a narrativa. O psicólogo infantil Doutor Malcolm Crowe (Bruce Willis, em um ótimo empenho e em uma das interpretações mais sérias de sua filmografia) carrega o fracasso de não ter conseguido ajudar um problemático jovem que, numa noite, invade sua residência armado e atenta contra sua vida e depois se mata com um tiro na cabeça. Essa impactante introdução do filme, já nos transporta para a realidade do Doutor, feito por Bruce Willis, que tempos mais tarde estará numa situação delicada com a esposa e se sentindo ainda um profissional ineficaz, devido a esse drama que ele carrega. A história do filme aí, mostra seu primeiro ato de inteligência ao não jogar o exato tempo que se passou entre a tragédia que o Dr. Malcolm presenciou, ao momento atual onde ele começa a conhecer um pequeno menino que parece sofrer de ilusões; se não sabemos que se passaram anos, meses, ou alguns dias apenas, depois do suicídio do rapaz no início do filme, não temos também a resposta exata do que ocorreu nesse interím pro casamento do Psicólogo estar se deteriorando ou mesmo de quando ele começou a ter de volta a vontade de ajudar um novo paciente. E para quem já conhece o final do filme, sabe que esse tempo foi necessário TAMBÉM para que compreendêssemos ao desfecho de tudo, a real situação do Dr. Malcolm Crowe.

(Sean Cole revelando todo o seu surpreendente "dom" para o Psicólogo Malcolm Crowe)

"O Sexto Sentido" traz ainda um grande trunfo: a atuação magistral do ator mirim Haley Joel Osment, que como o garotinho que "vê os mortos", envolve o espectador numa performance espetacular, digno de aplausos. Compondo uma criança tímida, reservada, introspectiva, mas que ainda assim demonstra uma dedicação emocional por querer ajudar a mãe, ele se esforça ao máximo para tentar se passar por um garoto normal, e tentar viver como um menino que precisa buscar uma força interna grandiosa, para tentar acomodar sua assustadora realidade de conviver com os espíritos que aparecem em sua frente, quando ele menos espera. O que leva o espectador a muitos sustos (nunca gratuitos!) e que ajuda a compor ainda mais a atmosfera sobrenatural que "O Sexto Sentido" solidifica ao decorrer da história. O menino Sean Cole é apenas mais uma peça brilhante da composição desse roteiro que lança seus fios aos poucos, para que no final, todos possam estar diante de uma enorme e bem formada rede. O garoto é o fio condutor da história de "O Sexto Sentido", é ele quem o espectador vai se aproximar mais e torcer para que consiga resolver os seus problemas. E mais ainda, apesar de nos emocionar tentando ajudar sua mãe, que por sua vez, também tenta ajudar o filho mas não compreende o seu "dom", o menino Sean Cole vai ajudar justamente quem menos espera ser ajudado: O Doutor Malcolm. É é esse fio que Shyamalan vai deixando no decorrer do filme, de forma brilhante e magistral... e que ao final, quando entendemos quem na verdade ajuda quem, é que batemos palmas de pé!

"Eu vejo pessoas mortas!" (Sean Cole)
"Há quanto tempo?" (Dr. Malcolm Crowe)
"Sempre! Eles aparecem a toda hora, em todo lugar." (Sean Cole)
"Eles te assustam?" (Dr. Malcom Crowe)
"Sim... mas... acho que não querem assustar... pedem para eu ajudá-los! Mas muitos deles não sabem que estão mortos!" (Sean Cole)

Reparem nessa frase em vermelho!!! Ela praticamente nos revela o final! E detalhe: esse diálogo acontece ainda no MEIO do filme, no primeiro momento em que o garotinho Sean Cole revela o seu dom para o Dr. Malcolm. Esse poderia ser um diálogo bem feito e muito bem construído, só que poderia estar deslocado no DESENVOLVIMENTO do roteiro, se não estivesse interligado com vários outros pontos da história do filme, em que fortalece ainda mais a coerência para que esse diálogo exista! Afinal, o desfecho de "O Sexto Sentido" começa a ser descortinado para o espectador desde os 15 minutos inciais do filme, como perguntas que quando visto pela primeira vez, surgem certeiras; como do porquê a esposa de Malcolm não mais falar com ele, do porquê ela o ter ignorado na mesa do restaurante, do porquê ela não estar usando mais a aliança e do porquê a mãe do menino em NENHUMA hora no filme, fala diretamente com o Dr. Malcolm. Aliás, o personagem de Bruce Wiilis, após aquela trágica abertura, só interage com o menino. A resposta estava aí, na nossa o cara o tempo todo... só que, claro, tudo genialmente planejado para os sensacionais minutos finais!

(Malcolm descobrindo toda a verdade: a fechadura de sua casa esteve trancada o tempo todo e a chave sempre esteve em seu bolso!)

"O Sexto Sentido" tornou-se um filme icônico, emblemático e um verdadeiro cult justamente por possuir um roteiro tão bom e tão sagaz que não menospreza a inteligência do espectador em nenhum momento. E mais ainda, há um bom espaço para se debater os dons que muitos alegam possuir, a mediunidade tão descrente por muitos na sociedade, e como isso pode interferir na vida de uma criança médium e em em seus familiares. A emocionante sequência que Sean Cole revela para a mãe (a ótima Toni Colette), dentro do carro, o que a avó dizia para ela todas as noites, é um final perfeito para ainda promover esse tipo de discussão entre os mais incrédulos.

Enfim, essa obra-prima de M. Nigh Shyamalan, não é só um dos melhores suspenses fantasmagóricos já produzidos no cinema... os "fantasmas" aqui, podem até ficar em segundo plano, para que possamos refletir o quanto uma pessoa (seja ela criança, jovem, adulta ou velha) pode sofrer se não conseguir entender e, principalmente, ACEITAR o seu dom!

(O fim de uma jornada emocionante: o menino e o Psicólogo sabendo agora os seus verdadeiros lugares!)

Um filme inesquecível e que guardo na minha prateleira com muito orgulho.

CURIOSIDADES:

• O filme inicialmente iria estrear em outubro de 1999. Entretanto, o resultado final animou tanto os executivos que sua estréia foi antecipada em mais de 2 meses, para a concorrida temporada do verão americano.
• No Brasil, o filme foi líder absoluto de público, tendo liderado o ranking semanal por mais de 2 meses e levando aos cinemas mais de 4 milhões de pessoas, tornando-se o filme que mais expectadores teve em 1999.
• O ator mirim Haley Joel Osment foi impedido por sua mãe de assistir ao filme por um motivo simples, a censura era 14 anos. Poderia ser que as cenas impressionassem o garoto, por isso Haley não teve a oportunidade de se ver nas telas.
• Todos os objetos e elementos que aparecem em cena, que teriam uma importância seja pro menino quanto pro Doutor, estão na cor VERMELHA. O balão que vai pro sótão é vermelho, o suéter do menino é vermelho, a maçaneta da porta do Doutor é vermelha, a saia da madrasta que torturava a menina era vermelha...
  
• O ator Bruce Willis vinha de relativos fracassos em seus filmes mais comerciais, tendo destaque apenas em filmes mais independentes. O Sexto Sentido foi sua grande volta ao circuito comercial.
• Bruce Willis afirmou que quando contra-cenou com Haley Joel Osment, ficou surpreendido de como um menino de 11 anos conseguia ser tão compenetrado nas cenas e tão bom profissional. Ele diz até hoje que Haley acordava para as gravações todo os dias às 6 da manhã, enquanto ele mesmo chegava em cima da hora nos sets correndo com a gravata torta e com um copo de café na mão.
• O Sexto Sentido teve a maior bilheteria do ano de 99 em todo o mundo, e é hoje ainda, o filme que tornou-se referência absoluta dentro do gênero.
  

* O Sexto Sentido é a VIGÉSIMA NONA imagem que compõe o título desse blog... e eu adoro esse filmaço!!!

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Elvis Presley

O Cara:

Elvis Aaron Presley foi um famoso músico e ator, nascido nos Estados Unidos da América, sendo mundialmente denominado como Rei do Rock. É também conhecido pela alcunha Elvis The Pelvis, apelido pelo qual ficou conhecido na década de 1950 por sua maneira extravagante e ousada de dançar. Uma de suas maiores virtudes era a sua voz, devido ao seu alcance vocal, que atingia, segundo especialistas, notas musicais de difícil alcance para um cantor popular. A crítica especializada reconhece seu expressivo ganho, em extensão, com a maturidade; além de virtuoso senso rítmico, força interpretativa e um timbre de voz que o destacava entre os cantores populares, sendo avaliado como um dos maiores artistas da música e por outros como o melhor cantor de rock do século 20.

Acompanhado pelo guitarrista Scotty Moore e pelo baixista Bill Black, Presley foi um dos criadores do rockabilly, uma fusão de música country e rhythm and blues.

Elvis tornou-se um dos maiores ícones da cultura popular mundial. Entre seus sucessos musicais podemos destacar "Hound Dog", "Don't Be Cruel", "Love me Tender", "All Shook up", "Teddy Bear", "Jailhouse Rock", "It's Now Or Never", "Can´t Help Falling In Love", "Surrender", "Crying In The Chapel", "Mystery Train", "In The Ghetto", "Suspicious Minds", "Don't Cry Daddy", "The Wonder Of You", "An American Trilogy", "Burning Love", "My Boy" e "Moody Blue". Particulamente no Brasil, foram ainda bem-sucedidas as canções "Kiss Me Quick", "Bossa Nova Baby", "Bridge Over Troubled Water", essa última, considerada por muitos, como sua música mais sentimental.

Após sua morte, novos sucessos advieram, como "Way Down" (logo após seu falecimento), "Always On My Mind", "Guitar Man", "A Little Less Conversation" e "Rubberneckin". Trinta anos depois de morrer, Presley ainda é o artista solo detentor do maior número de "hits" nas paradas mundiais e também é o maior recordista mundial em vendas de discos em todos os tempos com mais de 1 bilhão e meio de discos vendidos em todo o mundo.

Sua Origem:

Elvis Aaron Presley nasceu na cidade de East Tupelo (East Tupelo seria agregada mais tarde à cidade de Tupelo, formando assim uma única cidade), no estado do Mississippi, no dia 8 de janeiro de 1935. Único sobrevivente ao parto de uma dupla de gêmeos univitelinos, seu irmão, Jessie Garon, nasceu morto. Na pequena cidade do interior dos Estados Unidos, ele aprendeu com a mãe e o pai a ser respeitoso, independentemente de aspectos de qualquer ordem, quer étnicos, sexuais e/ou sócio-económico-financeiros. Nos seus primeiros anos de vida, cresceu em meio aos destroços de um furacão que devastou sua cidade no dia 5 de abril de 1936. Esse triste fato ocasionou, mesmo o estado do Mississipi sendo na época um centro do racismo americano, uma união entre brancos e negros, que deixaram de lado por algum tempo o conflito racial, tudo em prol da reconstrução da cidade. Em 1945, Elvis participou num concurso de novos talentos na "Feira Mississippi-Alabama", onde conquistou o segundo lugar e o prémio de 5 dólares, mais ingressos para todas as diversões. Elvis, na ocasião, cantou Old Shep, canção que retrata o desespero de um menino pela perda de seu cão. No mesmo ano, o seu pai presenteou-o com um violão, que passou a ser a sua companhia constante, inclusive na escola. Elvis e a família mudaram-se para Memphis no dia 12 de setembro de 1948. A família Presley morou por bastante tempo em condições precárias. No período de 1948 até 1954, Elvis trabalhou em várias atividades. Foi lanterninha de cinema e motorista de caminhão. Concluiu seus estudos em 1953. Nas horas vagas, cantava e tocava seu violão e, eventualmente, onde possível, arriscava alguns acordes ao piano. Reza a lenda que apreciava cantar na penumbra e até em breu total. As suas influências musicais foram particularmente o country, a música gospel, o rhythm and blues, capturado na histórica "Beale Street", em sua adolescência, na cidade de Memphis; além de seu apreço pela música erudita, particularmente a ópera. Um de seus maiores ídolos era o Tenor Mario Lanza e, naturalmente, cantores gospel como J.D. Sumner, seu preferido.

Anos 50 - O Início Artístico:

Em 18 de julho de 1953 e posteriormente em 4 de janeiro, 5 de junho e 26 de junho de 1954, Elvis grava algumas canções de forma experimental, no "Memphis Recording Service", filial da Sun Records.

Entretanto, em julho de 1954, Elvis entra em estúdio e grava outras canções iniciando assim sua carreira profissional. No dia 5 de julho de 1954, considerado o "marco zero" do rock, Elvis ensaiava algumas canções, até que, em um momento de descontracção, de forma improvisada, começou a cantar o blues "That's All Right, Mama" de Arthur Crudup, provocando em Sam Phillips um grande entusiasmo. Surgia então o rockabilly, uma das primeiras formas do rock'n and roll. "Take", nova canção no gênero, foi realizada; dessa vez, "Blue Moon of Kentucky", um tema bluegrass, foi gravado com a mesma levada de "That's All Right, Mama". Ambas comporiam seu primeiro disco, um "compacto simples" (single). Participaram das sessões, além de Elvis e Sam, o guitarrista Scotty Moore e o baixista Bill Black, que tornariam-se amigos de Elvis.

No dia 7 de julho as duas canções são executadas pela primeira vez numa rádio de Memphis, e o resultado é estrondoso: a voz de Elvis causou uma comoção e vibração até então jamais sentida musicalmente naquela região, e o sucesso foi absoluto. Devido a toda essa repercussão, Elvis é convidado a dar uma entrevista, sua primeira como cantor profissional. A canção "Blue Moon Of Kentucky" chega ao primeiro lugar na parada country da Billboard na cidade de Memphis e "That's All Right" atinge o quarto lugar da mesma parada. Já no dia 17 de julho, ele realiza o seu primeiro espetáculo na cidade de Memphis. Em 2 de outubro, ele faz seu primeiro espetáculo fora de Memphis, a cidade escolhida foi a capital do Country, Nashville. Em 8 de outubro, Elvis faz sua primeira apresentação fora do estado do Tennessee, a cidade escolhida é Atlanta na Geórgia. No dia 16 do mesmo mês, Elvis tem provavelmente o seu primeiro grande momento na carreira: ele realiza na cidade de Shreveport, no estado da Lousiana, um espetáculo que era transmitido pela rádio local de enorme sucesso na época chamado "Louisiana Hayride", onde foi recebido de forma bastante entusiasmada por toda a plateia, composta por mais de 500 pessoas. O ano de 1955 pode ser avaliado como a gênese do sucesso nacional de Elvis. Somando-se a isso, as suas performances em programas de rádio e algumas apresentações em programas locais de televisão, faz ele ganhar ainda mais destaque. As suas canções começam a fazer sucesso por todo o país; "Mystery Train" chega ao 11º lugar na parada nacional country da Billboard, "Baby, Let's Play House" atinge o 5º posto na mesma parada, até culminar com a primeira canção "número um" nos charts nacionais, canção denominada "I Forgot To Remember To Forget". Neste mesmo ano ele conheceria o seu empresário Tom Parker, que agenciaria sua carreira ao longo de sua vida, e que futuramente, se mostraria um homem bastante controlador.

O Preço da Fama:

Em 1956, Elvis tornou-se uma sensação internacional. Com um som e estilo que, uníssonos, sintetizavam suas diversas influências, ameaçavam a sociedade conservadora e repressiva da época e desafiavam os preconceitos múltiplos daqueles anos; Elvis fundou uma nova era e estética em música e cultura populares, consideradas, hoje, "cults" e primordiais, mundialmente. Suas canções e álbuns transformam-se em enormes sucessos e alavancaram vendas recordes em todo o mundo. Elvis tornou-se o primeiro "mega star" da música popular, inclusive em termos de marketing. Muitos postulam que essa revolução chamada rock, da qual Elvis foi emblemático, teria sido a última grande revolução cultural do século 20; já que, as bandas, cantores e compositores que surgiram nas décadas seguintes - e fizeram muito sucesso -, foram influenciados, de alguma maneira, direta ou indiretamente por Elvis. O que pode ser considerado verdade. O preço do pioneirismo transformador, entretanto, é altíssimo. Elvis foi implacavelmente perseguido pelos múltiplos segmentos reacionários estadunidenses e por todas as etnias. Os brancos, preconceituosos burgueses representantes da classe dominante, achavam-no vulgar, um rebelde representante de uma estética popular, cuja interface negra - o rock, "filho" também do rhythm and blues - era uma música de negros e para negros e, por isso, considerada uma música "menor" por aquele grupo dominante. Já os negros, achavam que por ser uma música de origem negra, nenhum branco deveria representá-la e divulgá-la, já que mão simbolizava a raça. Elvis, em verdade, foi perseguido e tornou-se vítima de muitos preconceitos por ir de encontro a um sistema estabelecido e por ter origens humildes, um "caipira sulista", fato pelo qual ele sempre foi discriminado.

Muitos de seus admiradores postulam que somente o seu talento e perseverança o mantiveram "vivo" até os dias que se seguiram e que a descrição de que ele só fez sucesso por possuir uma aparência de certa forma bonita, não é mais considerada como uma versão admissível pelos biógrafos sérios e historiadores daquela época e da música, sendo consideradas nos dias atuais como risíveis e recheadas de clichê. Mas Elvis, superou de fato as adversidades, ainda que a cina da vulgaridade tenha permanecido no seio dos segmentos mais ostensivos às camadas mais populares. Até os dias atuais, Elvis é lembrado como um dos maiores nomes da música em todos os tempos, ainda que sua importância maior talvez ainda esteja por ser estudada e compreendida, por epistemólogos da Sociologia e Psicanálise, principalmente. Suas apresentações televisivas quebraram todos os recordes de audiência até então, além das inevitáveis polêmicas geradas por suas performances explosivas. Podem ser citadas como exemplos, as interpretações de "Hound Dog" nos famosos programas de Ed Sullivan e Milton Berle. Um fato bastante propagado e que destaca esse momento fervoroso do artista, são as polêmicas censuras em torno de suas apresentações televisivas, fato comprovado pelas apresentações onde ele foi filmado da cintura para cima; uma em 1956 no programa "The Steve Allen Show" e outra em 1957 no programa "The Ed Sullivan Show". Em 1 de abril de 1956, Elvis grava uma performance em cores da canção "Blue Suede Shoes", cena esta que fazia parte de um teste feito pela 20th Century Fox para o filme "Love Me Tender", sendo que a referida cena não foi transmitida na época, tendo permanecido nos arquivos da "FOX" até finais da década de 80; essa talvez tenha sido sua primeira performance em cores, afinal, naquela época a transmissão em cores estava em seu início. Os filmes "Love Me Tender", "Loving You", "Jailhouse Rock" e "King Creole" foram um grande sucesso de público e, principalmente, os dois últimos, também tiveram seus méritos reconhecidos pela crítica especializada. No mês de outubro de 1956, Elvis realiza um espetáculo na cidade de Dallas no estádio "Cotton Bowl" para um público estimado de 27 mil pessoas, algo incomum para um cantor solo naqueles tempos. Em janeiro de 1957, em sua última apresentação no programa de Ed Sullivan, Elvis provocou uma enorme histeria, quando, contra a vontade do apresentador, cantou a música gospel preferida de sua mãe, "Peace In The Valley". A repercussão foi imediata e polêmica, levando-o à gravação de seu primeiro disco gospel, um EP (compacto duplo com quatro canções). No final de 1957, um show realizado no Pan Pacific de Los Angeles, foi considerado um dos maiores momentos da carreira de Elvis, por sua sensual e arrebatadora apresentação, considerada escandalosamente provocativa pelos puritanos da época. No mesmo ano de 1957, Elvis se apresentou no Canadá, os seus únicos shows fora dos Estados Unidos, em um total de cinco espetáculos que abalaram o país vizinho. Neste ano, Elvis adquiriu a mansão Graceland, sua eterna morada. Em 1959 conhece Priscilla Beaulieu (que tinha 14 anos na época), que viria a ser sua mulher alguns anos mais tarde.

Final dos Anos 60 e a Virada na Carreira:

Apesar da fase de pouca qualidade em seus filmes hollywoodianos (uma jogada de marketing que seu empresário, o Coronel Tom Parker, insistiu para que ele aceitasse) e respectivas trilhas-sonoras, o ano de 67 será lembrado pelo lançamento do disco que seria considerado um "divisor de águas" na carreira de Elvis, o gospel How Great Thou Art; decorrente de radical mudança em sua produção musical. O álbum surpreendeu o mundo, gradativamente, transformou-se em um grande sucesso de crítica e público; sendo, posteriormente, agraciado com um honroso Grammy, o "Oscar" da música. De alguma forma, o fonograma - de grande qualidade - e seus resultados, aguçou e excitou musicistas, produtores, fãs e o grande público. Bem produzido e com peças esmeradas, Elvis Presley dera indícios de sua vitalidade e criatividade, ainda em franca ascensão e plena maturidade musical. Fundou-se, portanto, um tempo de bons arranjos e melhor seleção musical. Ocorreram profundas mudanças em seus tons, na própria tessitura vocal e, consequentemente, em seus registros. Gradativamente, a própria extensão seria privilegiada, com comprometimento da afinação e menos gritos. No mesmo ano, Elvis Presley finalmente casou-se com Priscilla, já residente em Graceland, Memphis, desde meados da década. O matrimônio foi realizado na cidade de Las Vegas. Nesse período, entre 1967 e 1968, foram lançados alguns compactos muito elogiados; realmente, criativos e interessantes - goste-se ou não de Elvis Presley, reconhecerão seus ouvintes. Tudo devido as sessões de gravação ocorridas ainda em 66, mais precisamente em maio e junho, onde o repertório foi sendo aprimorado qualitativamente, gerando além do álbum "How Great Thou Art", outras canções de bom nível como "Indescribably Blue", "I'll Remember You" e "If Every Day Was Like Christmas". O mesmo pode ser percebido em 1967 em canções como "Suppose", "Guitar Man", "Big Boss Man", "Singing Tree", "Mine", "You'll Never Walk Alone". No período de 66/67, Elvis realiza várias sessões caseiras, onde ele interpreta várias canções de vários estilos e épocas distintas, mostrando um talento intuitivo e natural, no entanto, essas gravações só cairam no conhecimento do público, em sua grande maioria, no final da década de 90! Em 1 de fevereiro de 1968, nasce a sua primeira e única filha: Lisa Marie Presley.

Os Anos 70 - Na Estrada:

O ano de 1970 denotou um grande amadurecimento cênico e vocal de Elvis Presley, em relação ao anterior. Novas temporadas em Las Vegas ocorreram, com mudanças radicais em repertório - mais versátil e atualizado para aqueles dias -; shows avaliados como eletrizantes, tanto pela crítica como pelo público, porém com roteiros mais elaborados. Muitas dessas apresentações foram gravadas e deram origem a discos como "On Stage". Pela primeira vez no mundo, um artista prescindia de seu nome na capa - no original. Um novo marco! Apesar do grande sucesso, segmentos da crítica e dos estudiosos do show-business temiam que a rotina de espetáculos em Vegas, terra de pouca inventividade, pudessem tornar Elvis alienado e desmotivado, o que definitivamente não ocorreu. No mesmo ano, após seu retorno às apresentações ao vivo, Parker e Presley iniciaram uma série de grandes espetáculos históricos e considerados magistrais, mesmo na época de sua realização; e inventaram, gradativamente, uma nova concepção de shows: as "mega-tours". Presley fez 6 shows no Astrodome, em Houston, onde quebrou todos os recordes de público, reunindo 43.000 pagantes na quarta apresentação. Um recorde impensável para aquelas décadas!

Os Últimos Anos:

Ainda no ano de 1974, Elvis voltou a se apresentar no Astrodome, de Houston, estádio monumental, jamais contemplado com tal magnitude de um espetáculo de música popular. Novos recordes foram quebrados, superiores aos próprios, de 1970. Em um segundo show, 44.175 pagantes foram contabilizados; público até então inimaginável para um concerto de um único artista. Além de Houston, realizou shows históricos em Los Angeles, no mês de maio; prestigiado inclusive por artistas e bandas das novas gerações, então no auge, como um eufórico e entusiasmado Led Zeppelin. Uma única sessão de gravação foi realizada no ano seguinte, 1975, quando, no último dia do ano, Elvis Presley quebrou novo recorde de público para um artista solo até então, apresentando-se para 72 mil pessoas. Segmento de seus biógrafos afirmam que este seria seu último ano primoroso artisticamente; Elvis realiza shows históricos em sua carreira, sendo elogiado cada vez mais por todos, propiciando o seguinte comentário do jornal The New Yor Times: "Cada vez mais Presley melhora sua voz atingindo excelentes notas vocais. Ele ainda é o rei nos palcos.", referindo-se aos shows de "Uniondale" no condado de Nassau no estado de Nova Iorque. Muitos até afirmam que alguns dos melhores shows de Elvis em toda a carreira foram realizados em 1975. No mesmo período são lançados dois dos melhores álbuns de Elvis na década de 70, Elvis Today e Promised Land. Entretanto, seus percalços pessoais como o casamento e a saúde se somavam gradativamente. Em 1976, ano em que realizou mais de 100 mega-espetáculos, Elvis voltou a apresentar-se no último dia do ano, na cidade de Pittsburgh; reconhecido pela crítica e público como um dos seus últimos grandes espetáculos de qualidade; para os fãs, antológico! Elvis Presley continuava a subir nos palcos regularmente, mas já de forma sofrível, acima do peso, inchado pelas medicações que tomava, ao longo dos seis primeiros meses de 1977, com a saúde visivelmente deteriorada. No mês de junho, teve espetáculos filmados pela rede de televisão CBS, vislumbrando um vindouro mega-especial, a ser levado ao ar em cadeia nacional oportunamente.

Morte:

Na noite de 15 de agosto, Elvis vai ao dentista por volta das 11:00 da noite, algo muito comum para ele. De madrugada ele volta a Graceland, joga um pouco de tênis e toca algumas canções ao piano, indo dormir por volta das 4 ou 5 da madrugada do dia 16 de agosto. Por volta das 10 horas da manhã, Elvis teria levantado para ir ao banheiro, e o que aconteceu desse ponto até por volta das duas horas da tarde é um mistério. O desenlace ocorreu, possivelmente, no final da manhã, no banheiro de sua suite, na mansão Graceland, na cidade de Memphis, no Tennessee. Os fatores predisponentes sistêmicos, os hábitos cotidianos e as circunstâncias que culminaram com a morte de Elvis Presley, são dos pontos mais polêmicos e controvertidos entre seus biógrafos e fãs. Elvis só foi encontrado morto no horário das duas horas da tarde por sua namorada na época, Ginger Alden (ele já havia se separado de Priscilla). Logo após, o seu corpo é levado ao hospital "Memorial Batista" e sua morte é confirmada.

A morte de Elvis Aaron Presley no dia de 16 de agosto de 1977, causada por colapso fulminante associado à disfunção cardíaca, surpreendeu o mundo, provocando uma comoção mundial como poucas vezes fora vista em nossa cultura; inclusive no Brasil. Os fãs se aglomeraram em maior número em frente a mansão. As linhas telefônicas de Memphis estavam tão congestionadas que a companhia telefônica pediu aos residentes para não usarem o telefone a não ser em caso de emergência. As floriculturas venderam todas as flores em estoque. O velório aconteceu no dia 17. Alguns, dos milhares de fãs, puderam ver o caixão por aproximadamente 4 horas.

Por volta das 3 da tarde do dia 18 de agosto a cerimônia para familiares e amigos foi realizada, com canções gospel sendo cantadas pelos "Stamps" (Grupo vocal gospel) e por Kathy Westmoreland (cantora), ambos fizeram parte do grupo musical de Elvis na década de 1970. Após a cerimônia todos foram levados até o cemitério em limusines, logo em seguida o corpo de Elvis é enterrado. Mas para os fãs e apreciadores de artistas que viraram ícones, a morte física de Elvis pouco importa, e sim, o legado artístico inesquecivelmente talentoso que deixou imortalizado.

Medicamentos:

Erroneamente e estupidamente, muitos acham que Elvis Presley morreu por overdose de drogas sujas, como o uso de cocaína ou heroína... o fato é que ele nunca foi viciado em nenhuma droga ilícita, jamais experimentou qualquer tipo de entorpecente, como muitos amigos dele na época já experimentavam e se viciaram como Jerry Lee Lewis e Johnny Cash. O que está provado é que ele se viciou apenas em medicamentos perdendo totalmente o controle a partir dos anos 70, quando o dr. George Nickopoulos receitou abusivas doses de remédios para Elvis, culminando assim na sua morte em 1977. O referido médico foi até levado ao Tribunal em 1981, acusado de receitar a Elvis um tratamento médico "ultrajante", mas foi absolvido. O fato é que Elvis era uma pessoa altamente complexa em sua vida pessoal e artística, uma pessoa de temperamento difícil, transformava-se de um instante para outro em uma pessoa alegre, simpática e falante em uma pessoa carrancuda e até mesmo infeliz; era, segundo pessoas próximas, hipocondríaco, o que talvez explique sua paranóia pela leitura de bulas de remédios e a alta quantidade de remédios que ingeria; tinha problemas no cólon (descolamento), o que lhe causava horríveis dores, além de problemas no fígado, e essas enfermidades deterioraram todo o seu organismo e provocaram o mal cardíaco culminando em seu falecimento prematuro. Segundo o amigo J. D. Sumner, Elvis relatou em certa ocasião que tinha a impressão que não alcançaria os 50 anos de idade, pelo fato de outros familiares terem falecido antes de completar essa idade. Infelizmente, ele estava certo.

"Aloha From Havaí"

Apesar de estar mergulhado em problemas pessoais e de saúde, mas no auge como artista, em 14 de janeiro de 1973, Elvis Presley realizou o primeiro show via satélite do mundo, transmitido, ao vivo, para muitos países - inclusive o Brasil, pela Rede Tupi - e, posteriormente, para quase todo o planeta. O especial, Aloha From Hawaii, foi assistido por aproximadamente 14 milhões de telespectadores - número surpreendente para aqueles dias. Nos Estados Unidos, sucesso estrondoso, foi ao ar em abril de 1973, tendo recebido o seguinte comentário no editorial do jornal Los Angeles Times: "Elvis superou sua própria lenda!" No Brasil, foi ao ar novamente em abril do ano seguinte, 1974, com grande êxito. O álbum duplo, inaugural do sistema "quadrafônico", uma espécie de ancestral do "home theater", foi imediatamente colocado no mercado, atingindo rapidamente o marco de 1 milhão de cópias vendidas.

Elvis e os Beatles:

No dia 27 de agosto de 1965, Elvis e a banda inglesa The Beatles encontraram-se no âmbito doméstico, sem evidências, até agora, de qualquer produto áudio/visual relevante. A única imagem alusiva ao encontro de Elvis e Beatles é uma foto em que John Lennon (fã confesso de Presley!) aparece saindo da casa de Elvis. No documentário The Beatles Anthology, de 1996, os ex-beatles Paul McCartney, George Harrison e Ringo Starr, confirmaram jamais terem tocado com Elvis, e que somente John Lennon o fizera. No mesmo documentário, Ringo, para os biógrafos confiáveis, a grande estrela da noite em simpatia e camaradagem geral, comentou ter jogado futebol com Elvis.

A Voz de Elvis:

Elvis dispunha de um registro vocal muito poderoso, flexível e eclético para quem nunca teve aulas de canto ou mesmo ensino teórico convencional. Elvis era quase um barítono profissional, conseguia atingir 3 oitavas e, por vezes, atingir o registro vocal de tenores e baixos de forma estupenda, um feito altamente marcante e admirável para quem se comprometeu apenas em cantar músicas populares e de vertentes do rock.

Segundo aqueles que são ávidos de apresentações ao vivo de Elvis, principalmente da década de 70, ele demonstrava com maestria o seu poder vocal, e que até os dias atuais, ainda impressionam aqueles que não conhecem a sua carreira em sua forma mais abrangente; Elvis atingia em muitas de suas performances o chamado "dó de peito", que corresponde a nota musical "Sol 3", feita com voz de cabeça - como se fosse um falsete. Raríssimos cantores conseguiam isso, e nunca um roqueiro cantou dessa forma!

Para a surpresa de alguns iniciantes em sua vasta obra, Elvis também já dava sinais de grande poder vocal já na década de 50, em seu início, principalmente em notas graves. O auge desse futuro fenômeno vocal se deu, na avaliação de alguns, no ano de 1957. Dando prosseguimento a sua evolução como intérprete, Elvis atingiria na década seguinte, uma maturidade vocal bastante elevada e difícil, tanto em notas graves e agora também, como em notas agudas; um marco dessa evolução, seria o álbum How Grear Thou Art, gravado em 1966 e lançado logo em seguida, no início de 67.

Elvis deu início à sua carreira profissional com apenas 19 anos de idade, portanto, era o período de transição da adolescência para a fase adulta, a chamada puberdade, onde a voz de Elvis estava em plena transformação, atingido assim a sua maturidade nos anos posteriores.

Com o uso constante da voz, as cordas vocais vão se tornando mais resistentes, respondendo muito melhor e mais prontamente, permitindo assim ao cantor atingir notas mais agudas e melhorar a qualidade sonora como um todo, fazendo assim de sua voz um verdadeiro instrumento, como dizem que era o caso de Elvis Presley. Seu vocal era como um OUTRO instrumento musical, o que espantava qualquer banda que tocava com ele!

O grande desafio de quem privilegia a extensão é a afinação, canto extremamente técnico, e Elvis conseguiu em várias oportunidades a conciliação complexa, segundo os especialistas. Uma das notas mais difíceis de se atingir é o "dó acima do dó central", e Elvis atingiu muitas vezes em espetáculos ao vivo durante a década de 70, dito por especialistas. Mesmo com o microfone "colado" à boca (o que para muitos estudiosos, abafa um tanto o som autêntico da voz deixando apenas os tons mais guturais vindo da garganta), Elvis alcançava um timbre perfeito para cada notal musical.

Com um extenso alcance vocal e sua técnica de certa forma operesca, principalmente na década de 70, Elvis Presley se notabilizou por ser um dos mais impressionantes exemplos do que um cantor pode fazer com sua voz, transformando-a em um verdadeiro instrumento, provocando até dúvida em algumas pessoas, de como uma voz humana conseguia se ajustar tão perfeitamente em qualquer ritmo e melodia. Algo surpreendente até para especialistas de hoje!

Curiosidades Finais:

• Elvis era LOIRO! Seu famoso topete preto foi mais um jogo de marketing para a época se produzir um cantor de rock moreno, já que a maioria eram loiros, como Jerry Lee Lewis e Bill Halley.
  
• Elvis era fã de karatê. Praticava o esporte e chegou a ser faixa-preta. O gosto pela modalidade de luta era tanto, que o artista mandou confeccionar roupas de shows em formatos de kimonos, como pode ser visto em algumas de suas apresentações já na década de 70.
• A fama de mulherengo era imensa. De todos os roqueiros, os que tinham mais "groupies" (fãs que desejam ter relações sexuais com seus ídolos) era Elvis... mas contrariando sua fama, muito pouco foi notificado, registrado ou até mesmo flagrado de algum envolvimento de Elvis Presley com alguma fã.
• Bob Dylan e Neil Young chegaram a compor músicas para Elvis.
• Ele adorava cães... colecionava São Bernardos e Dogues Alemães em seu enorme quintal em Memphis.
  
• Apesar da rivalidade que diziam existir entre os dois, Elvis nunca considerou Frank Sinatra como seu rival. E elogiou Os Beatles num show ao vivo e gostava do Led Zeppelin!

* Marcel Camp é fã de carteirinha do Rei... e Elvis Presley é a VIGÉSIMA OITAVA imagem que compõe o título do meu blog.

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